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AXOLOTLISM

Oreet Ashery, Jacopo Miliani, Daniel Steegmann Mangrané,
Zin Taylor, Wu Tsang. Comisariada por Sabel Gavaldon

23 Mayo - 25 Julio 2015, Nogueras Blanchard Madrid
Inauguración y performance de Oreet Ashery: Sábado 23 Mayo de 12 a 15 h




Un hombre anónimo se inclina frente al acuario del Jardin des Plantes en París. Visita este lugar casi a diario y con frecuencia se pasa la mañana entera con la cara pegada al cristal. En noviembre de 1902, Rainer Maria Rilke estuvo en el mismo jardín botánico y más tarde habría de plasmar en un conocido poema su impresión de una pantera encerrada en una jaula, para la que parecía haber “mil barrotes / y tras los mil barrotes ningún mundo”. Pero al protagonista de nuestro relato apenas le interesan los felinos ni el resto de mamíferos. Las criaturas que captan su atención son unos pequeños anfibios que parecen completamente indiferentes a su encierro dentro del acuario. Se trata de axolotls, una especie de salamandra cuya vida transcurre en estado larvario, esperando pacientemente una metamorfosis que no ha de llegar.

Le fascina su quietud y la falta de expresión en sus pequeños rostros aztecas. Una mirada de esfinge que sin embargo le resulta extrañamente familiar. Puede que solamente se trate de la fonética indígena de su nombre —ax-ol-oh-tl—, cuya difícil pronunciación para los europeos le trae recuerdos del continente en el que nació. Pero estas criaturas parecen devolverle la mirada desde una profundidad insondable. Y de algún modo sabe que ellos también saben. Hasta que un día se da cuenta horrorizado de que lleva un buen rato, unos minutos, o tal vez unas horas, observando su propio rostro pegado al cristal del acuario. Ahora es un axolotl. Y parece imposible que pudiera entenderse con el hombre inexpresivo que lo mira a través del cristal. Su pensamiento es ahora un pensamiento dentro del acuario. De repente está seguro de que los otros axolotls saben. Ellos también deben de pensar, si bien lo hacen en silencio. Este pensamiento anfibio no le resulta del todo ajeno. ¿Quizá esté simplemente proyectando una inteligencia humana a sus semejantes? Pero ahora que habita otro cuerpo, ¿aún puede decir que es un hombre? Y el rostro familiar que lo observa desde el otro lado, ¿qué sabe en realidad? ¿Pueden siquiera esos enormes ojos no-anfibios reconocer su persona desde fuera del acuario?

La exposición AXOLOTLISMO retoma un relato de Julio Cortázar —“Axolotl”, 1956— que cortocircuitó la distancia entre observador y observado. En aquel relato enigmático, el escritor argentino invitaba al lector a pensar más allá de la dicotomía entre sujeto y objeto. Se podría abordar este tipo de ficción como una metodología. Una estrategia de corte perspectivista que abre la posibilidad de un cuestionamiento radical de aquellas nociones que nos constituyen como personas y sujetos de derecho. Inspirándose en la escritura anfibia de Cortázar, esta exposición busca una línea de escape al humanismo y sus exclusiones, a través del trabajo de artistas cuya obra parte de una sensibilidad materialista y cuya práctica explora distintas formas de alteridad radical donde lo humano se desdibuja.

Devenir anfibio no es un cambio de substancia, sino un ejercicio de imaginación política. Un ejercicio para el que hay que ponerse en el lugar de una alteridad que es siempre múltiple y variable, dibujando un escenario en el que ningún punto de vista está en posición de reclamar un monopolio sobre la verdad. A ojos del axolotl, la idea de naturaleza humana se desdibuja y la civilización no es otra cosa que un acuario. El AXOLOTLISMO no tiene un lenguaje propio; habla en idiomas inventados en otros lugares. El AXOLOTLISMO no es otra forma de pluralismo antropológico, sino ontológico. El AXOLOTLISMO no busca una comprensión absoluta del mundo de los otros, sino multiplicar nuestro universo a través del suyo.

El AXOLOTLISMO no es más que una ficción, si bien tiene su propia historia. La de aquellos que no son humanos aún y la de aquellos que no lo son del todo, pero también la de aquellos que no son ya humanos solamente. Es por tanto una historia de devenires. Una historia que se pone en marcha cada vez que alguien, en algún lugar, pierde su forma para devenir mujer, devenir niño, devenir animal, devenir manada, devenir indígena, devenir loco, devenir anfibio, devenir menor, devenir colectivo, devenir imperceptible, devenir impreciso... Las historias del axolotlismo se concretan en encuentros monstruosos e intersecciones imposibles. Historias de éxodo y transmutación, disolución y pasaje, flujos de deseo y líneas de fuga que desbordan lo individual y se resisten a tomar una identidad estable.

Esta exposición es el resultado de la cuarta edición del Open Call que organiza NoguerasBlanchard.

Artistas:

Oreet Ashery (1966 Jerusalén, IL) es una artista afincada en Londres. El trabajo de Ashery aborda construcciones sociales y de género mediante una práctica interdisciplinar en la que se combinan performance, escultura, video y fotografía. En el pasado, Ashery ha encarnado a múltiples personajes masculinos de su propia invención para subvertir las relaciones de género y explorar cuestiones de poder, agencia e identidad cultural. Su trabajo ha sido expuesto en Tate Modern, Londres; Overgaden, Copenhague; Secession, Viena; Museu do Chiado, Lisboa; Le Transpalette, Bourges; ICA, Londres; HKW Haus der Kulturen der Welt, Berlín; Brooklyn Museum, Nueva York; Kunstlerhaus Bethanien, Berlín. En 2012, Ashery formó parte de la séptima edición de la Bienal de Liverpool.

Jacopo Miliani (1979 Florencia, IT) es un artista afincado en Milán. Su práctica se concreta en instalaciones coreográficas y performances que reflexionan sobre las condiciones del espectador y exploran las relaciones dinámicas entre el lenguaje, el cuerpo y su representación, apropiándose de referencias procedentes de la historia de la moda, el cine o la danza. Entre sus exposiciones y performances recientes se cuentan la Fondazione Giuliani, Roma; Galeria Vermelho, Sao Paulo; CAC Grenoble; ICA Studio, Londres; Kunsthalle Lissabon, Lisboa; MACRO, Roma; Deutsche Bank Kunst Halle, Berlín; MARCO, Vigo; David Roberts Art Foundation, Londres; Velan Centre for Contemporary Art, Turín; MADRE, Nápoles.

Daniel Steegmann Mangrané (1977 Barcelona, ES) es un artista afincado en Rio de Janeiro. Influido por las cosmologías amerindias y la antropología radical, el trabajo de Steegmann oscila entre experimentaciones sutiles, poéticas y crudas que cuestionan la relación del lenguaje con el mundo no-humano, desafiando cualquier distinción entre naturaleza y cultura. Su trabajo se ha expuesto en Fondazione Giuliani, Roma; CRAC Alsace, Altkirch; Extra City, Amberes; Akademie der Kunste, Berlín; CA2M, Madrid; Museu de Arte Moderna, Sao Paulo. Steegmann ha participado en la Trienal del New Museum (2015); la 9ª Bienal de Mercosul (2013); y la 30ª Bienal de São Paulo (2012).

Zin Taylor (1978 Calgary, CA) es un artista afincado en Bruselas. Las técnicas narrativas, dialógicas y discursivas juegan un papel crucial en el trabajo de Taylor, cuya práctica combina escultura y performance junto con el dibujo, la escritura y la imagen en movimiento. Sus trabajos a menudo toman la forma de proposiciones ambiguas que parecen interrogarse sobre la propia estructura y la sintaxis del lenguaje visual. Entre sus exposiciones recientes se cuentan Portikus, Fráncfort; FRAC Ile-de-France; Le Plateau, París; Museum of Contemporary Art, Chicago; Kunsthalle Wien, Viena; Kunsthal Charlottenborg, Copenhague; The Artist’s Institute, Nueva York; MuHKA, Amberes; KIOSK, Gante; Witte de With, Rotterdam; Bard College, Nueva York; The Power Plant, Toronto.

Wu Tsang (1982 Massachusetts, US) es un artista, performer y cineasta afincado en Los Angeles. Su trabajo examina aquellas narrativas que configuran nuestra identidad en relación a los otros. Interesado en la dimensión política de distintas comunidades en los márgenes, el trabajo de Tsang está directamente inspirado por su implicación en colectivos trans, queer y migrantes de Los Angeles. Su trabajo ha sido expuesto en ICA, Londres; Migros Museum, Zúrich; Tate Modern, Londres; Stedelijk Museum, Ámsterdam; MoMA, Nueva York; MOCA, Los Angeles. En 2012, Tsang participó en la Whitney Biennial, la Trienal del New Museum, la Bienal de Gwangju y la Bienal de Liverpool.

Comisario:

Sabel Gavaldon (1985 Barcelona) es un curador e investigador independiente afincado en Londres. En 2012 se graduó del programa Curating Contemporary Art del Royal College of Art. Entre sus proyectos recientes se cuentan las exposiciones ‘M/Other Tongue’ en Tenderpixel, Londres (2015); ‘Contratiempos’ en CaixaForum, Barcelona; ‘Llocs comuns’ en Can Felipa, Barcelona (ambas 2014); y ‘Un museo del gesto’ en La Capella, Barcelona (2013). ‘Un museo del gesto’ es un proyecto de investigación en curso que investiga el potencial del gesto y el estilo como formas de resistencia semióticas adoptadas por las minorías políticas y grupos subalternos. Este proyecto se ha presentado en forma de charlas y talleres en Cittadellarte–Fondazione Pistoletto, Biella (2015); Lugar a Dudas, Cali, Colombia; y Chisenhale Gallery, Londres (ambas 2014). Otras charlas recientes incluyen ‘On the Relative Size of Things in the Universe’ en Camden Arts Centre, Londres; y la Architectural Association, Londres (2015). En 2014, Gavaldon fue curador residente del espacio Lugar a Dudas, en Cali, Colombia, con el apoyo de Gasworks y Triangle Network.

Nuestros agradecimientos a las galerías Clifton Bevenevento (Nueva York), Esther Schipper (Berlín), Frutta (Roma), Supportico Lopez (Berlín) y Waterside Contemporary (Londres). También le estamos agradecidos a Dimitri Jeurissen, Lilou Vidal y al Instituto Italiano de Cultura de Madrid por su apoyo.

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